quarta-feira, 14 de janeiro de 2015

O machismo segundo Nick Darmstaedter

Mais um take one pro meu arquivo público digital (risos)! Desta vez trata-se da exposição T2MamaTambien, de Nick Darmstaedter na galeria T293, em Roma. Darmstaedter é um jovem artista americano que, nesta exposição, trabalhou em torno da construção social da masculinidade a partir de uma perspectiva bastante particular. Adotando como ponto de partida o ano de 1972, as referências da cultura pop (música e cinema), da publicidade e do esporte da época são a matéria-prima da produção do artista, que já conta com um vasto currículo.

Nick Darmstaedter, My Name Is It Doens't Matter What Your Name Is, 2014, UV curable ink on concrete, 24x38 inches.

Nick Darmstaedter
17 December 2014 - 31 January 2015
Opening 16 December 2014, 7pm
T293, Via G. M. Crescimbeni 11, Roma
T: +39 06 88980475

T293 is pleased to present the first-ever solo exhibition in Italy by American artist Nick Darmstaedter. Entitled T2MamaTambien, the project takes inspiration from the spirit of masculinity that shaped American cultural production in the last quarter of the twentieth century. Darmstaedter has selected 1972, a pivotal year in America's social, economic, and political development, and the longest year in history according to the Coordinated Universal Time (UTC), as the focal point for a broader exploration of divergent and often competing associations and expectations for the male gender.

During the leap year 1972, while the scientific community was adding two extra leap seconds to the calendar in compensation for the slowing of the earth's rotation, men were undergoing their own critical reassessments as they faced a new array of influences from the media and the accelerated dissemination of mass culture. Presented with an expanding body of products and tastes, men were urged from all sides towards an ideal definition of manhood. Gathering and filtering his sources from advertising, popular music, films and magazines from 1972, Darmstaedter draws upon these archetypes to examine this deeper, and ultimately subjective, idea of "machismo".

A series of five oil paintings inspired by the album covers of groundbreaking musical artists Al Green, Black Sabbath, Ca, Lou Reed, and Neu! touch upon the impact that these musicians with their larger-than-life personalities had on a generation of men. Each album, released in 1972, contributed to a larger moment in which music, the most widely distributed art form, and the men responsible for its creation, played a significant role in informing the attitudes and behaviors of its male listeners.

The cinema of 1972 had an equally momentuous impact on the male psyche in that year and today. Darmstaedter borrows quotes from masculine classics like The God Father and Deliverance as titles for some of the exhibited work. His sculpture, I Could Dance Forever... Oh My Hemorrhoid!, featuring 72 sticks of locally-sourced Italian marble disguised in wax papper butter wrappers, pays homage to a legendary scene from the film Last Tango in Paris, in which famed American actor Marlon Brando sodomizes a young woman using butter as a lubrificant, in a theatrical gesture both intensely crude and virile.

Nick Darmstaedter, I Could Dance Forever! Oh, My Hemorrhoid, 2014, Italian marble, 72 salted sweet cream butter stick wrappers, dimensions variable

Meanwhile, a series of silkscreens derived from generically beautiful lanscapes featured in KOOLS cigarette advertisements from 1972 dissect the brand's marketing strategies of seducing male consumers to indulge in their unattainable desires. The independence and freedom associated with wilderness cater to the stereotypical male predisposition toward exploration and ingenuity. That these values can often mutate into selfshness, is addressed by several ultra violet curable ink prints on concrete, whose images are appropriated from articles about makeshift inventions and photos of stereotypically masculine men and desirable women born in 1972. In isolating these subjects, Darmstaedter sardonically underscores man's unsteady balance between personal pleasure and familial responsibility.

Nick Darmstaedter, I Could Dance Forever! Oh, My Hemorrhoid, 2014, UV curable ink on concrete, 48x36 inches

1972 also saw perhaps the greatest tragedy in sports history at the Olympic games held in Munich, where eleven Israeli athletes were taken hostage and murdered by Palestinian terrorists. Commuting All Death Sentences to Life in Prison, features a genuine 1972 Munich Olympic torch and an original issue of the first Ghost Rider comic book. The games, themselves a consummate forum for athletic achievement and masculine worth, occurred the same year in which the California Supreme Court declared the death penalty cruel, and constitutionally unjustifiable. In its new context, the torch becomes a poignant emblem for man's triumphs, his desire for a standard ideal, but also for his immeasurable failure and the rebirth of a new vision of perfection that, as Darmstaedter suggests, each man must determine for himself.

Nick Darmstaedter, Commuting All Death Sentences to Life in Prison, 2014, 1972 Olympic torch, Ghost Rider comic book, dimensions variable

segunda-feira, 12 de janeiro de 2015

Codalunga, o hard core de Nico Vascellari até o dia 17 de janeiro em #Roma | #Take1

Na iminência de uma nova mudança, a necessidade de dar fim à papelada acumulada reaparece. Para não perder as referências marcantes, publico aqui o release da exposição de Nico Vascellari que visitei mês passado na Galeria Monitor, em Roma. A exposição vai até o dia 17 de janeiro, portanto quem estiver pela área, ainda dá tempo de ir lá conferir.

Nico Vascellari, Codalunga, 2014, installation view at Monitor, Rome

Nico Vascellari

Opening October 30th 2014 | 7-9 PM

The first collaboration between Nico Vascellari and MONITOR took place in 2005, with a performance aboard a coach carrying some fifty people that included curators, collectors and journalists from Rome's art scene at the time. The onboard screens of the vehicle showed one of the artist's best-known videos, the powerfully visionary A Great Circle. Dressed as in the video, Vascellari sang the soundtrack whilst striding over the startled passengers, as the coach sped from the Galleria Nazionale d'Arte Moderna to Porta Pinciana and down Via Veneto, pulling up once more at the steps of the Galleria Nazionale at precisely the moment in which the video ended.

Nico Vascellari, Autoritratto HCVV, 2014, neon, varnish, 120 x 160 cm, installation view at Monitor, Rome

That same year Vascellari decided to open part of his studio in Vittorio Veneto to the public, drawing up a programme of experimental visual and sound events. The space was named Codalunga, like this show of Vascellari's work.
Over the decade that was elapsed since its founding, CODALUNGA has become an international reference point, an experimental platform that has hosted , among others, artists such as Diego Perrone, Roberto Cuoghi, Bjorn Copeland, Ari Marcopulos, Dominique Fernow, Arto Lindsay, John Duncan, Charlemagne Palestine, Mat Brinckman and Phil Niblock.
Vascellari himself refers to Codalunga as "a constantly evolving sculpture", and in this sense the place is a 'fast lane' towards entering and understanding the complex stratifications that make up this artist's research. The works on display will in fact revolve around those cardinal concepts that encapsulate Codalunga, Monitor's specular exhibition space providing an equally shared stage, with on the one hand works whose genesis is closely tied up with the space he created in northern Italy and, on the other, pieces from his latest production that are of a more private and personal nature.
Vascellari's solo show is the pondered, mediated result of a decade of development brought about by constant and tenacious work on behalf of this artist, to whom Monitor is pleased to pay a throughly deserved tribute.

Nico Vascellari, Into the Infinity of Thoughts, 2014, two wooden elements, framed, 122 x 182 cm each,
installation view at Monitor, Rome
Nico Vascellari, Untitled, 2014, acrylic and pen on paper, 72 x 47 cm framed

Simultaneously with the exhibition by the artist at MONITOR, Codalunga will move to the Ex Aula Bunker presenting a series of events with the participation of, among the other, Marina Abramovic, Arto Lindsay, William Basinski, Andrea Lissoni, Prurient, Luca Lo Pinto, Vatican shadow, Ron Morelli, Fabio Quaranta, Antonio Grulli. Throughout the month Nico Vascellari will be followed by cameras of Sky Arts, that will dedicate a documentary to Nico Vascellari and Codalunga.

Until January 17th 2015

Nico Vascellari, Codalunga, 2014, installation view at Monitor, Rome
Nico Vascellari, 07-09.11.14 Invernomuto (con Marsèllerie)+Nico Vascellari+Von Archives,
collage on glass, wooden framed
Nico Vascellari, 10.5.14 Le Luci della Centrale Elettrica, collage on glass, wooden framed, 37 x 28 cm

Nico Vascellari
(Vittorio Veneto, 1976, lives and works between Vittorio Veneto and Madrid).
Solo shows (selected): Whitworth Art Gallery, Manchester (upcoming 2015); GNAM, Roma (upcoming 2015); Codalunga, Monitor Rome; Officina, Bruxelles (2014); Bugada & Cargnel, Parigi (2012); Monitor, Roma (2011); MAN, Nuoro (2007); Arratia Beer, Berlin (2007); Skuc, Lubljana (2006); Viafarini, Milano (2006); Spazio Lima, Milano (2005).
Group shows (selected): Beyeler Foundation, Basel (2014); Riga Art Space, Riga (2014); ZKM, Karlsruhe (2014); SongEun Artspace, Seul, Korea (2014); La Casa Encendida, Madrid (2013); Galeria Raquel Arnaud, São Paulo (2012); VW, Berlin (2011); Confort Moderne, Poitiers (2011); MAK, Vienna (2011); Hangar Bicocca, Milano (2011); Pinchuk Art Centre, Kiev (2010); Magasin, Grenoble (2010); EACC, Castellò (2010); 12a Biennale di Architettura, Venice (2010); Wysing Art Centre, Cambridgeshire (2010); Mart, Rovereto (2010); Gamec, Bergamo (2010); Fondazione Pomodoro, Milan (2010); Julia Stoschek Foundation, Dusseldorf (2009); Whitworth Art Gallery, Manchester (2009); Kunsthaus, Graz (2009); Manifesta7, Rovereto (2008); Mambo, Bologna (2008); 15ª Quadriennale di Roma, Rome (2008); Maxxi, Rome (2007); 52ª Biennale di Venezia, Venezia (2007); Galleria Civica di Trento, Trento (2005).

Via Sforza Cesarini 43a-44 I - Rome Ph 0039.06.39378027

sábado, 10 de janeiro de 2015

Último dia para conferir a exposição Pure Love, de Gabriele Porta, na Galeria Federica Schiavo, em Roma

Dando prosseguimento ao compartilhamento da viagem à Roma, segue o material relativo à exposição "Pure Love", de Gabriele Porta, que acontece até hoje na Galeria Federica Schiavo, em Roma.

A exposição reúne oito trabalhos do artista italiano em torno dos temas amor, sexo e morte. Particularmente inquietante é o video Untitled (My Wedding Will Be A Funeral), de 2014, realizado a partir de um filme amador queniano, encontrado pelo artista nos arquivos da BBC, em Londres. O filme apresenta cruamente um ritual violento que o título do trabalho vincula ao tradicional regime matrimonial de conjugalidade.

Gabriele Porta. Untitled (My Wedding Will Be A Funeral), 2014
video low fi, loop, no sound, 5 min 55 sec
Gabriele Porta. Untitled (My Wedding Will Be A Funeral), 2014
video low fi, loop, no sound, 5 min 55 sec
A tensão erótica entre a projeção e os demais trabalhos, indicada no press release abaixo, é extremamente bem construída pela montagem dos trabalhos nas três salas de exposição, no escritório e no corredor da galeria. A chegada à sala dois (a última que visitei), onde o vídeo citado está instalado, nos força a ressignificar tudo o que vimos nas demais salas (sobretudo a série de trabalhos sobre papel da sala 3, que leva o mesmo título do vídeo). No caminho de volta até a saída da galeria vemos os trabalhos diferentemente, o que parece indicar a potência plástica e significativa da produção deste jovem artista.

Gabriele Porta. The Long Impurification Has Begun, 2014
enamel on mdf board, walnut wood, 142,5 x 189 x 4 cm (142,5 x 92 x 4 cm each)


21 November 2014 - 10 January 2015
Opening Reception, Friday 21 November, H 6:00-9:00 PM
Federica Schiavo Gallery, Piazza di Montevecchio 16, Rome

Federica Schiavo Gallery is delighted to present Pure Love, Gabriele Porta's first solo show in Rome. The exhibition is built around three main themes: love, sex and death, within the artist develops a wide range of shades such as tenderness, pornography, the cult of death.

In Porta's work these issues present the eternal dualism between opposites that however do not entail a real contrast but a mutual completion and it leads to a new territory where the visitor will experience a continuous oscillation between pleasure and disgust.

The exhibition includes a video on a monitor, a video projection, a new series of paintings on board, prints and drawings on sandpaper.

The cornerstone of the exhibition - even though decentralized in the gallery's space - is the connection of the video projection My Wedding Will Be A Funeral, a cruel amateur film shot in Kenya, to a series of works on paper whose lightness creates a powerful and disturbing contrast with the content of the video.

Gabriele Porta.  Untitled (My Funeral Will Be A Wedding), 2014
spray paint on arches paper, glitter,  51 x 35,5 cm (framed: 60 x 44,5 x 4 cm each)
Gabriele Porta.  Untitled (My Funeral Will Be A Wedding), 2014
spray paint on arches paper, glitter,  51 x 35,5 cm (framed: 60 x 44,5 x 4 cm each) 

The show Pure Love is prohibited to minors under the age of 18.

Gabriele Porta. Untitled (The Last Thought In Kids Lives Is Love), 2014
print on aluminum pet, spray paint, 62 x 42 cm each (framed: 72,5 x 52,7 x 4 cm each)

Gabriele Porta. Untitled (The Amazing Love In Someone Who Does Not Believe In The Possibility Of Genocide), 2014
print on sandpaper, fluo enamel, 28 x 21cm each (framed: 35,5 x 28,5 x 3 cm each)
Gabriele Porta was born in Monza in 1981. He lives and works in Arcore, Italy. After his studies at the Brera Fine Arts Academy in Milan, 2004, he won a scholarship at the Slade School of Fine Art - UCL of London where he had his MA Master Degree in Fine Arts Media in 2007. The artist has participated in many group exhibitions in Italy including The Milky Way, Galleria Lia Rumma, Naple 2014 (promoted by Pianoterra Onlus); La fioritura del bambù, Viafarini DOCVA, Milan 2009; The Inner Emotion of Being Alive, Federica Schiavo Gallery, Rome 2009. His work was exhibited in many european cities: London, UK; Paris, France; Locarno, Switzerland; Reyjavik, Iceland.

quinta-feira, 8 de janeiro de 2015

SMALL Rome, curada por Adam Carr, na Galeria Frutta (Roma)

Nas minhas andanças por Roma no mês passado, auxiliado pelo Artguide, visitei pela primeira vez a galeria Frutta, onde é possível, até o dia 24 de janeiro, ver a bela exposição Small Rome, curada pelo inglês Adam Carr.

SMALL Rome, 2014, Installation View, Frutta

A exposição, na contramão da monumental cidade de Roma e do imperativo espetacular que insiste em se instalar no mercado da arte contemporânea, é um elogio do pequeno, do menor. Lupas são disponibilizadas logo na entrada da galeria e são a metáfora perfeita do tipo de atenção que a exposição demandará do público (além de serem realmente úteis para a leitura dos créditos das obras, em tipologia minúscula). 

SMALL Rome, 2014, Installation View, Frutta

Nada de maravilhamento com o monumental, nada que componha um bom selfie. É preciso chegar perto, abaixar-se, ter cuidado para não pisar nas obras que, por vezes, são quase invisíveis, como é o caso do trabalho de Amanda Ross-Ho, que consiste em quarenta taças de vinho de 1,6 cm cada espalhadas em pequenos conjuntos por toda a galeria.

Amanda Ross-Ho, Untitled Opening (NOIR AND BLANC), 2014,
Forty 1:12 Scale Glass Wine Glasses, Pigmented Resin, 1,6 cm
Mas Small Rome oferece mais do que a virtuose técnica da produção do minúsculo (uma nanoarte?). A exposição apresenta uma economia material e gestual que não corresponde a uma pobreza argumentativa e/ou plástica. Temos a oportunidade de experimentar uma reversão do consumo ligeiro da arte, na medida em que os trabalhos expostos nos demandam um tipo de atenção e cuidado que nos instala em uma temporalidade cada vez mais difícil de ser encontrada nos cenários urbanos contemporâneos.

A poucos minutos do Coliseum, pode-se experimentar essa outra Roma, menor sem dúvida, mas onde os paus de selfie dão lugar às lupas, e onde o reconhecimento da paisagem exaurida pelo turismo dá lugar às descobertas do investigador atento.


curated by Adam Carr
17 December 2014 - 24 January 2015

Artistas: Jacqueline Bebb, Nina Beier, Adam Broomberg and Oliver Chanarin, Sol Calero, James Clarkson, Susan Collis, Gabriele De Santis, Jason Dodge, Sean Edwards, Tim Foxon, Ryan Gander, Ditte Gantriis, Mario Garcia Torres, Gareth Griffith, Brian Hubble, Dean Hughes, David Keating, Chosil Kil, Jonathan Monk, John Henry Newton, Alek O., Joe Orr, Wilfredo Prieto, Laura Reeves, Amanda Ross-Ho, Andreas Slominski, Mateo Tannatt, Mungo Thomson, Oliver Tirre, Santo Tolone, Brent Wadden, Bedwyr Williams, Jesse Wine

Via Giovanni Pascoli, 21
00184 Roma

+39 06 68210988

domingo, 7 de dezembro de 2014

Not Another Public Process - take one

Essa semana inaugurou no Upper Lab, um espaço independente aqui de Bergamo, a exposição "Not Another Public Process", resultado de uma colaboração com a Rajatila Gallery (Finlândia).

Segue o texto do take one - como não posso acumular papel por aqui, vou compartilhando aqui e mandando a papelada pra reciclagem ;-):

Not Another Public Process
Upper Lab 4-20.12.2014
Open from monday to saturday between 4pm. to 6pm.


Exhibition Not Another Public Process starts from a fictional quote that could have been stated by different fictional characters in the current political and societal climate. Contemporary forms of combinations of activist and visual art have challenged political processes and democratic societies. Art has changed how we understand public and media space and the limits of it. "Not Another Public Process" have been stated by a frustrated politician getting tired of artistic activism.

On the other hand, current parliamentary democratic institutions and the public space connected to them have been under heavy criticism. Problems occurring in democratic institutions caused for example the forming of the Occupy movement. "Not Another Public Process" have been stated on the Taksim square or on Occupy Wall street in frustration towards bourgeois and mainstream public space.

Exhibition sets a contexts trough this two-fold frustration for artistic and activist approaches to public space in Finland and contemporary ways of understanding gallery space as public space trough artistic practices. In core of the publicness is narratives mixing fact and fiction on how publicness and democratic process enables us to claim for better conditions for the future. Artistic practices and media tactics narrate and produce utopian and fictive possibilities to state and experience new ways of being in public with others.

Participant artists are Timo Bredenberg, JP Kaljonen & Johanna Raekallio, Anne Lehtelä, Heidi Saramäki, Jukka Silokunnas and Teemu Takatalo.

Exhibition is realized in the context of the collaboration between artist-run Rajatila Gallery at Tampere Finland and Upper Lab at Bergamo, Italy. It is curated by Jussi Koitela. As another part of the collaboration is exhibition organized by curator Emanuele Meschini and artists from Upper Lab at Gallery Rajatila June 2015. Exhibition is supported by Frame Visual Art Finland and Arts Promotion Centre Finland.    



Open space

Timo Bredenberg
I, Cloud, video game, 2014

Anne Lehtelä
Untitled, installation, 2014

Jukka Silokunnas
Act of Playing, intervation, racket, tennis ball, chain, 2014

Gallery Space

Heidi Saramäki
Bergamo Addiction, installation, 2014

Middle Space

Teemu Takatalo
The Gospel of the Enlightened Consumer, video essay, 2012

JP Kaljonen & Johanna Raekallio
Dublin 2, experimental documentary, 2012-2014


Screening & Discussion

Upper Lab 5.12. 8.30 pm.

Teemu Takatalo
The Gospel of the Enlightened Consumer

JP Kaljonen & Johanna Raekallio
Dublin 2
Discussion with artists

quinta-feira, 30 de outubro de 2014

"Pensamentos e Práticas Curatoriais na Esfera Contemporânea", novo workshop no Largo das Artes

O Largo das Artes tem o prazer de apresentar seu mais novo workshop: "Pensamentos e Práticas Curatoriais na Esfera Contemporânea". Ministrado e coordenado pelo curador Bernardo José de Souza, este workshop propõe a investigação do pensamento curatorial a partir de uma serie de debates sobre algumas das principais questões a se imporem no horizonte crítico contemporâneo e da discussão acerca de projetos expositivos específicos, tais quais bienais e mostras coletivas que ocorreram nos últimos anos.

Uma das características da contemporaneidade é a relativização do presente em decorrência, por um lado, do constante diálogo com o passado, mediante a revisão histórica, e, por outro, com o futuro, através da construção de cenários provisórios ou ficcionais . Alçad o à categoria de período histórico - especialmente no contexto da história da arte - o termo contemporâneo apresenta significativos desafios ao curador que pretende não apenas dar conta da produção artística atual , mas também lançar nova luz sobre a história da arte e das manifestações culturais e políticas transcorridas no passado. A inexistência de marcos absolutos na contemporaneidade , quer sejam ideológicos, programáticos ou econômicos, vis a vis o esfacelamento das utopias divisadas ao longo do século XX, faz do futuro plataforma ideal para a elucubração de novos mundos, estética e politicamente em constante mutação.

Partindo das leituras e debates promovidos pelo workshop, pro jetos de curadoria serão desenvolvid os mediante acompanhamento e orientação conceitual e técnica. Eixos temáticos apresentados preliminarmente pelo coordenador do curso, ou mesmo pelos próprios alunos, serão explorados de maneira crítica sob a perspectiva das práticas curatoriais em arte contemporânea . Orientações individuais ou em grupo serão realizadas visando a estrutura ção de projetos expositivos que ao final do workshop possam vir a ser executados. 

Carga horária: 20 horas
Quando: de 6 de novembro a 9 de dezembro de 2014 (ver programação das aulas abaixo)
Valor: R$ 1.000 (em até 2 vezes)
Local: Largo das Artes (Rua Luis de Camões, 2 - Centro - Rio de Janeiro, RJ)
Inscrições: pelo telefone (+ 55 21 2224 2985) ou por email (largodasartes@gmail.com)

* Vagas limitadas *


Aula 1 
Quinta dia 6/11, 19 hs 
a) Introdução ao workshop e apresentação de breve histórico da prática curatorial e de exposições seminais realizadas no século XX . 
b) Apresentação de algumas ideias norteadoras do pensamento curatorial contemporâneo. 
c) Comentário sobre a bibliografia indicada, estruturação do seminário e apresentação do processo de desenvolvimento das propostas curatoriais a serem desenvolvidos individualmente ou em grupo.

Aula 2 
Terça dia 11/11, 19 hs 
a) Apresentação do projeto curatorial da 9 ° Bienal do Mercosul | Porto Alegre - "Se o clima for favorável".  
b) Debate sobre o projeto apresentado e reflexão acerca dos textos recomendados.

Aula 3 
Quinta dia 18/11, 19 hs 
a) Apresentação do projeto curatorial da mostra "to see what is coming". 
b) Debate sobre o projeto apresentado e reflexão acerca dos textos recomendados.

Aula 4 
Terça dia 20/11, 19 hs 
a) Seminário sobre pensamento curatorial contemporâneo a partir da bibliografia indicada + debates sobre as ideias apresentadas. 
b) Conversa com o curador Bernardo Mosqueira.

Aula 5
Sábado dia 22/11, 10h30
a) Apresentação preliminar das ideias e projetos curatoriais a serem explorados conceitualmente e desenvolvidos, individualmente ou em grupo, durante o workshop. 
b) Conversa com a curadora Sofia Hernandez Chong Cuy

Aula 6 
Dias 26 ou 27/11, 19 hs
Orientação: encontros individuais com o curador para acompanhamento e discussão dos projetos expositivos (1 hora por projeto).

Aula 7 
Dias 2 ou 3/12, 19 hs
Orientação: encontros individuais com o curador para acompanhamento e discussão dos projetos expositivos (1 hora por projeto).

Aula 8 
Terça dia 9/12, 19 hs
a) Apresentação final das propostas curatoriais para o grande grupo. 
b) Sessão comentada dos projetos finais.


Bernardo José de Souza é curador, professor universitário e colaborador de publicações sobre arte e cultura visual. Foi curador do espaço na 9º Bienal do Mercosul | Porto Alegre, em 2013, e coordenador de cinema, vídeo e fotografia da Secretaria de Cultura de Porto Alegre entre 2005 e 2013. Desde então, atua de forma independente, integrando o time de curadores do 19° Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil e desenvolvendo projetos para o Largo das Artes, no Rio de Janeiro, e para o Instituto Ling, em Porto Alegre. Bacharel em Comunicação Social pela Pontifícia Universidade Católica do Rio Grande do Sul e especialista em fotografia e moda pel a University of the Arts London , é membro dos conselhos curadores do Museu de Arte Contemporânea do RS e da Fundação Vera Chaves Barcellos.


Sofía Hernández Chong Cuy é curadora de arte contemporânea para a Coleção Patrícia Phelps de Cisneros (CPPC), cargo que ocupa desde 2011. Na última década, Sofia foi diretora do Museu Tamayo, na Cidade do México. Foi curadora de exposições para a Kadist Art Foundation, em Paris; MALBA, em Buenos Aires; Centro de Arte Contemporânea de Vilnius, na Lituânia; e MUSAC, em León. Sofía trabalhou como agente da dOCUMENTA (13), de 2012, em Kassel e foi diretora artística e curadora geral da 9ª Bienal do Mercosul | Porto Alegre, em 2013. Escreve regularmente para catálogos de exposições, revistas e publicações do gênero, além de manter um blog pessoal em: http://blog.sideshows.org/

Bernardo Mosqueira é membro da Comissão Curatorial da Galeria de Arte IBEU desde 2011; lecionou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage; participou de residências no Brasil e no exterior; recebeu o prêmio-residência V::E::R, como crítico/curador, em Terra Una, MG (2011); foi premiado no 1º Laboratório Curatorial da SP-Arte; realiza de forma independente e anualmente o festival de performance “Vênus Terra” desde 2010. É escritor e foi responsável por mais de 40 curadorias, entre elas: “Liberdade é pouco. O que desejo ainda não tem nome” (RJ, 2010); “Quase Casais” (EIC Maus Hábitos, Porto, Portugal, 2010); “Sem Título # 1: experiências do pós-morte” (Galeria Oscar Cruz, SP, 2011); “E os Amigos Sinceros Também” (Galeria de Arte Ibeu, RJ, 2012); “Trepa-Trepa no Campo Expandido” (SP,2012); “Conexiones” (Hoy en el Arte, Buenos Aires, Argentina, 2013); “Tronco” (Casa França-Brasil, RJ,2013); e “primeiro estudo: sobre amor” (Galeria Luciana Caravello, RJ, 2014). Atualmente, entre outros, desenvolve projetos para MANA Contemporary (Jersey City, Estados Unidos) e Solyanka VPA (Moscou, Rússia) e é diretor do Prêmio FOCO Bradesco ArtRio.

Mais informações:
Frederico Pellachin 
ou Consuelo Bassanesi
pelo telefone: (21) 2224-2985

ou pelo e-mail: largodasartes@gmail.com

quarta-feira, 29 de outubro de 2014

Jornada "As Conferências de Foucault no IMS". O IMS, a Saúde Coletiva e o Brasil 40 Anos Depois

Em 1974, em plena ditadura midiatica-empresarial-militar, o recém-nascido Instituto de Medicina Social convida Michel Foucault, um dos mais importantes intelectuais em atividade, para um conjunto de palestras.
A encomenda: comentar o bombástico livro de Ivan Illich, "Nêmesis da medicina - a expropriação da saúde".
Foucault foi além, esboçando a história da medicalização na Europa.

Hoje, 40 anos depois, continuamos lutando para democratizar nossa sociedade, para construir um sistema de bem-estar social, contra a medicalização e/ou mercadorização da saúde.

Convidamos todxs interessadxs para pensar criticamente as diferenças e semelhanças entre ontem e hoje, do IMS, da saúde coletiva e do Brasil, tendo os 40 anos das palestras de Foucault como ocasião.

* 4/11/2014

09h00 Conferência de Abertura 
______Madel Luz 
Mediador: Leandro Gonçalves

10h45 Mesa-Redonda:
Foucault, Reforma Psiquiátrica e o IMS
______Heliana Conde
______Joel Birman
______Martinho Braga
Mediadora: Gabriela Barreto

14h00 Mesa-Redonda:
Foucault, Direitos Sexuais e Saúde Coletiva
______Alain Giami 
______Kenneth Camargo Jr. 
______Maria Luiza Heilborn
Mediadora: Anacely Costa

16h15 Conferência:
______Vera Portocarrero
Mediador: Arthur Lobo Costa Mattos

18h00 Debate aberto:
Manifestações, conservadorismo: 
relações de poder no Brasil de hoje, com ou sem Foucault 

Esta atividade faz parte dos eventos de comemoração dos 40 anos do IMS, que culminará numa série de atividades na semana de 10 à 14 de novembro de 2014.

Rua São Francisco Xavier, 524, 6º e 7º andar, blocos D e E

segunda-feira, 27 de outubro de 2014

3rd International LAVITS Symposium: Surveillance, Tecnopolitics, Territories | III Simpósio Internacional LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios

III Simpósio Internacional LAVITS: Vigilância, Tecnopolíticas, Territórios
13 – 15 de Maio, 2015. Rio de Janeiro, Brasil
Chamada de Trabalhos (PT/EN/ES): 

Principais Datas:
  • Submissão de resumos
  • até 15 de novembro de 2014
  • Divulgação de resumos aprovados
  • 10 de fevereiro de 2015
  • Envio dos artigos completos
  • até 30 de março de 2015
Site do evento:

Sobre o Simpósio:
As modulações da vigilância estão hoje atreladas a uma rede extremamente heterogênea de elementos atuantes em múltiplas escalas. Aparatos de vigilância de massa, como os revelados por Edward Snowden, conectam Estados e corporações; agências de segurança nacional e dados pessoais na Internet; espionagem de chefes de Estado e interesses de mercado; guerra ao terror e empresas do Big Data.
Tais dinâmicas da vigilância contemporânea nos levam a retomar a noção de território segundo diferentes níveis de questionamento. Discutir o território nesse contexto é também definir as condições de existência de indivíduos, instituições, corpos e subjetividades. Territórios informacionais, urbanos, subjetivos, da produção ampliada de valor, do comum, entre outros, são ora zona privilegiada, ora zona de resistência às estratégias da vigilância e do controle. Ao mesmo tempo, ações e reflexões no plano tecnopolítico vêm criando um campo fértil de táticas que contestam tais estratégias e exploram outros modos de habitar e agir coletivamente nas redes sociotécnicas contemporâneas.
Vigilância, Tecnopolíticas e Territórios constituem assim a tríade de problemas que compõem o III Simpósio Internacional da Rede Latino-americana de Estudos em vigilância, tecnologia e sociedade/LAVITS, a ser realizado entre 13 e 15 de maio de 2015 no Rio de Janeiro. Tríade que afeta especialmente esta cidade, no interstício de uma série de megaeventos que deixam como legado uma expressiva e renovada gama de tecnologias de segurança e vigilância. Além disso, o Brasil e outros países latino-americanos vivem um ciclo de lutas e protestos em que a cidade e as redes de comunicação distribuída ocupam um lugar decisivo, tornando fundamental a reflexão sobre vigilância, tecnopolíticas e territórios em escala global e local.
Convidamos pesquisadores, professores, ativistas e artistas a submeter resumos de trabalho ao III Simpósio Internacional LAVITS que, no âmbito de sua temática geral, propõe debater os seguintes temas-chave:
  • Big Data, vigilância e tecnopolítica
  • Vigilância, protestos políticos e manifestações urbanas
  • Megaeventos e vigilância
  • Web, Deep Web e Internet das Coisas: rastreamento e vigilância
  • Ativismo e contra-vigilância: criptografia, hacktivismo, tecnopolíticas
  • Práticas artísticas e estéticas da vigilância
  • Trabalho e Vigilância
  • Corpo, afeto e vigilância
  • Identificação, biometria e vigilância
  • Cidades inteligentes e vigilância algorítmica
  • Vigilância móvel e wearable: drones, GPS, smartphones, câmeras integradas etc.
  • Privacidade, dados pessoais e controle da informação
  • Vigilância e práticas de consumo
  • Tecnologias de auto-monitoramento e controle
  • Histórias, memórias e arquivos da vigilância
  • Regulação da vigilância e proteção de dados na América Latina
  • Snowden, NSA e vigilância de massa: impactos na América Latina
  • Vigilância e ditadura militar na América Latina
  • Mercado da vigilância na América Latina: conexões público-privado
  • Vigilância e Tecnopolítica na América Latina: conceitos, metodologias e estudos de caso
  • Controle social, território e vigilância na América Latina

terça-feira, 30 de setembro de 2014

Sophie Ko Chkheidze I - Tradução do texto de apresentação da exposição

No último sábado, dia 27, estive em Brescia para conhecer a cidade e visitar a abertura da exposição de Sophie Ko Chkheidze, na A+B Contemporary Art. O trabalho de Sophie Ko é muito inspirador, pois repercute uma série de questões bastante contemporâneas, com destaque para a sobrevivência das imagens e os novos regimes cronotópicos agenciados pela arte contemporânea. Achei o texto disponibilizado pela galeria super bonito e bastante elucidativo da poética desenvolvida por Sophie Ko na série Geografie temporali. Enquanto não finalizo minha crítica da exposição, compartilho uma tradução ao português do take one (de autoria não identificada) da exposição.


"Geografia Temporale (pala d'altare)" pigmento, 245x145cm, 2014.

Pela primeira vez, o espaço da Galeria A+B de Brescia é aberto para acolher uma exposição individual de Sophie Ko Chkheidze (Tbilisi, 1981), artista georgiana que vive e trabalha em Milão. A exposição é acompanhada do texto ad hoc “Finis initium”, do filósofo Federico Ferrari, em 100 impressões numeradas, com uma intervenção da artista sobre cada cópia.

Nesta individual de Sophie Ko apresenta-se a Pala d’altare composta de três painéis, a tetralogia Delle stelle fisse, além de duas obras de pequenas dimensões intituladas Titani e Grembo. Todas estas obras de Sophie Ko – exceto o Grembo, que é um resto não queimado – são Geografie temporali, ou seja, quadros feitos de cinzas de imagens queimadas ou de pigmento puro que constituem o resultado da reflexão da artista sobre as imagens. Há alguns anos, a obra de Sophie Ko centra-se no significado das imagens na nossa vida, no seu valor para o conhecimento, na relação entre imagem e tempo, entre imagem e memória, no valor da imagem do passado. A Geografie temporali, pela força expressiva e pela essencialidade da potencia figurativa, entra em diálogo com os grandes mestres do Renascimento.

A cinza como metamorfose da imagem

As imagens vivem no tempo, não são testemunhas silenciosas; as imagens desaparecem, retornando no tempo e sobrevivendo ao tempo. As imagens trazem consigo um tempo próprio: as imagens falam do tempo em que vivem, mostram-nos o seu desaparecimento, a sua resistência dura ou mesmo um glorioso renascimento na fúria destrutiva da história. No entanto o nosso tempo, como “sociedade do espetáculo”, impõe-se por uma produção hipertrofiada de imagens e é, ao mesmo tempo, o mais cego deles, incapaz de manter uma relação que possa ir além do mero consumo niilista de imagens. Como escreve Federico Ferrari em Finis initium “a cinza é o que resta, aquilo que nos resta” de toda a tradição de imagens do passado. E como observa Ferrari, Pala d’altare, Delle stelle fisse, Titani e Grembo são comparáveis à nossa relação comum com as imagens feitas de “niilismo passivo”, de incapacidade de “conservar as próprias cinzas”, uma forma de pietas.

Uma pietas pelas imagens

A Geografie temporali, portanto, é uma forma de pietas para com as imagens, em direção a nossa história, em direção ao nosso tempo. É a partir destas cinzas – a partir deste nada a que se destina a vida das imagens – que surgem no nosso tempo, que nasce a Geografie temporali, obra que toma forma a partir do resto não queimado das imagens, das cinzas das imagens queimadas. Fogo e cinzas testemunham a destruição das imagens e, ao mesmo tempo, são o que tornam possível a existência da própria imagem. Do fogo nascem as imagens, as cinzas das próprias imagens tornam-se o corpo e a alma de uma imagem ainda não vista, cuja história ainda não está escrita, mas apenas iniciada. A Geografie temporali tenta parar o instante em que a imagem do passado continua a arder, insiste em querer exprimir um sentido, continua a viver, não obstante o consumo em série das imagens, não obstante seu consumo sistemático. A queima da imagem é o que traz a vida passada ao presente, é o crescimento da vida além de qualquer destruição. O fogo é tanto a força destrutiva, quanto a capacidade de resistência que a imagem testemunha pelo preço da própria vida. Assim, a Geografie temporali são novas imagens, feitas de formas mutantes e móveis dos restos não queimados das imagens. As cinzas das imagens queimadas são o fim de uma imagem, mas também um novo começo: a matéria, a cor traça uma “iconografia do não visto” (F. Ferrari), mais uma vez uma imagem que tem um significado para a vida, um retorno à dimensão essencial e elementar da própria imagem. “Não há um fim possível, mas apenas metamorfose sem fim”, observa Federico Ferrari, no texto que acompanha a Geografie temporali.

Perder a durabilidade para ganhar peso

Esta metamorfose infinita das imagens vive na Geografie temporali, que está em contínua e imperceptível transformação. A Geografie temporali é relógio, é clepsidra, símbolos caros à primeira natureza morta, à própria Vanitas, ao próprio Memento mori. Com o passar do tempo a composição do quadro muda, as cinzas caem, o tempo marca sua passagem, mas o tempo que uma Geografie temporali mede com a própria força de sua queda não é apenas o tempo da destruição, do exaurir da vida. A simbologia a que a ampulheta remete, de fato, é dupla: de um lado indica o inexorável terminar da vida, de outro concede ao homem o tempo da meditação, da profundidade, da arte, do ócio; à medida que cresce a areia no fundo da ampola inferior, assim a vida toma forma no seu escorrer, no seu relacionar-se com as forças naturais sem se anular. A Geografia temporali mostra-nos como o tempo perde durabilidade para ganhar peso. Assim o sentido da imagem não se consome. A Geografie temporali coloca em cena essa relação entre tempo e imagem feita de pressão e de destruição do tempo sobre a imagem, mas também de formação, profundidade, renascimento com respeito à fúria destruidora do tempo. A Geografie temporali traz à luz que as imagens não apenas estão sujeitas ao tempo, mas marcam o tempo, dando a ele uma forma, conduzindo-o à visibilidade, dando uma direção ao nosso olhar. Federico Ferrari escreve: “Um espanto sem fim diante de um início que não para de iniciar, a cada instante, aqui e agora, no esplendor da cor, na minhas palavras, nos teus olhos”.

quarta-feira, 11 de junho de 2014

MNEMÓPOLIS: big data, imagens sobreviventes, memórias insurgentes | projeção de lançamento do Atlas #protestosBR, hoje às 19h, no MediaLab.UFRJ

Hoje teremos a projeção de pré-lançamento do Atlas #protestosBR com as imagens enviadas via ChIPS (Chamada de Imagens Políticas Sobreviventes). Os que ainda não atenderam ao chamado, podem enviar suas imagens aqui e ajudar na montagem deste Atlas.

Abaixo, um brevíssimo texto que escrevi retomando algumas das inquietações que resultaram no projeto.


No MediaLab.UFRJ, o ano de 2014 começou com um desafio: como pensar/organizar/ver as imagens dos protestos que tomaram as ruas deste país desde junho do ano passado? Em virtude da quantidade e da circulação em fluxos contínuos de tais imagens, inicialmente nos aproximamos das estratégias de visualização de big data (esta grande massa de informação proveniente do desenvolvimento da web, que excede os limites inerentes à cognição humana). Neste sentido, algoritmos são mobilizados para ajudar a visualizar um quadro destas imagens, organizadas a partir de certos padrões de cores ou composição dos quadros ou, ainda, de sua circulação na rede (retweets e compartilhamentos). Em parceria com o Labic, da UFES, realizamos encontros para discutir tais ferramentas e debatermos suas potencialidades e limitações.

Outra referência importante para pensarmos o projeto do Atlas #protestosBR foi o Atlas Mnémosyne, de Aby Warburg. A história da arte proposta por Warburg no começo do século passado foi anacronicamente organizada neste atlas (grandes pranchas nas quais as imagens heterogêneas - fotografias de esculturas, gravuras, selos postais etc - eram montadas a partir da sobrevivência de certos gestos). No dispositivo warburguiano, o intervalo entre as imagens ajudava a vislumbrar um regime de semelhança que sobrevivia ao tempo. Isto o ajudou na formulação de uma história da arte que excedia as noções de estilo e escolas artísticas, e o permitiu avançar com uma leitura das imagens da arte sobre o terreno mais amplo da cultura.

É na tensão entre o fluxo contínuo e o intervalo, que surge o projeto do Atlas #protestosBR, que é baseado na colaboração, através da submissão on-line por qualquer um que tenha interesse, de três imagens dos protestos. Assim, sem a pretensão totalizante de dar conta de todas as imagens dos protestos que circularam na internet, o Atlas #protestosBR configura-se como uma plataforma que constitui uma rede de atores-humanos e imagens (também elas actantes). Mobilizando a memória dos protestos e construindo esta rede colaborativa, a ser publicamente compartilhada na web, o atlas do MediaLab.UFRJ é uma experiência mobilizada por uma aparente insuficiência das ferramentas já disponíveis para lidar com a novidade das formas de mobilização política que atravessaram os protestos e com o estatuto privilegiado da imagem neste cenário

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